1. Johann Sebastian Bach (1685-1750)*
2. Los inicios del barroco inglés: henry purcell(1659-1695)
3. Georg Friederich Händel (1685-1759)*
4. Antonio Vivaldi(1678-1741): Máximo exponente del Barroco Italiano
5. eL BARROCO MUSICAL ESPAÑOL
6. La música y las Matemáticas: El caso particular de los Fractales y Bach
7. La Música Sacra EN España

La familia Bach esta compuesta por 60 músicos alemanes cuyo miembro más ilustre es Johann Sebastian (Eisenach 1685-Leipzig 1750), organista, que dirigió la orquesta del príncipe Leopoldo de Anhalt en Köthen (1717) y, en 1723, fue nombrado cantor de Santo Tomás de Leipzig. Sus obras de música religiosa, vocal o instrumental, deben su valor a la ciencia de la escritura, la riqueza de la inspiración, la audacia del lenguaje armónico y la elevada espiritualidad.

Johann Sebastian Bach nació en Eisenach 1685 y una edad muy temprana quedó huérfano. A los 15 años entró a formar parte del coro de Lüneburg, siendo admitido posterior, en 1707,como organista en Sangerhausen y posteriormente en las Iglesias de Andstrad y San Blas de Mülhausen donde contrajo matrimonio.

Estuvo en la corte de Wiemar, donde asumió los cargos de organista, orquesta de cámara. Estudió a los músicos italianos sobre a todo a Vivaldi. Durante este período escribió grandes obras y maduró artísticamente.

Se traslada a Köthen e interrumpió temporalmente la producción musical sacra, para trabajar más profundamente en la música camerística e instrumental.

En 1720 murió su primera esposa, María Magdalena, con la que tuvo 11 hijos. Después se casó con su prima en 1721. Dos años después se trasladó a Leizpig, donde de nuevo ocupa el cargo de Maestro de Capilla en la Iglesia de Santo Tomás y director musical de esta ciudad. Es la época más larga y prolífica de su vida musical. Llegó a componer cantas diariamente. Pero los dos últimos años de su vida son los más tristes, porque Bach estaba ciego y tenía problemas económicos. Muere en 1750 en Leizpig arruinado y dejando 20 hijos, de los cuales los más conocidos fueron Wilheim Friedmann, Karl Philipp Emmanuel, Johann Christoph Bach.

Sus profundas convicciones religiosas le llevaron a escribir "una música LO MÁS EXACTA POSIBLE Y DEDICADA POR ENTERO A LA GLORIA DE DIOS". Su obra conjugó la delicadeza expresiva italiana con la sobriedad casi espartana del pueblo germánico.

Hay que decir que la música vocal de Bach es esencialmente religiosa. Escribió más de 300 cantantas, 371 corales a 4 voces, Oratorios de Navidad, de la Ascensión y de Pascua. Así como las Pasiones de San Juan y San Mateo. La Misa en si menor merece un comentario a parte, por la excepcionalidad de dicha obra.

Dentro del campo instrumental, Bach tenía predilección por el órgano (así mismo ocurre con el autor de esta página) para el cual compuso preludios, fugas y más de 150 corales. El clave también fue un instrumento distinguido para Bach de hecho escribió su obra El clave del bien temperado que es una colección de 48 preludios y fugas. Diversas sonatas a solo demuestran que Bach no se olvidó de los restantes instrumentos de la época. Los conjuntos instrumentales brillaron con los seis Conciertos de Brandeburgo - escritos en forma de concerto grosso- y las 4 Suites para orquesta. Sus obras Ofrenda musical y el Arte de la fuga, demuestra el excelente dominio de la técnica contrapuntística por parte de Bach.

Pese a este excelente currículum, Bach no fue comprendido en su época e incluso olvidado por sus contemporáneos tras su muerte. En 1729 Mendelson encontró diversas partituras en el desván de la Iglesia de Santo Tomás, así fue redescubierto y a partir de ahí reconocido como genio de la música. El gran impacto que tuvo Bach lo podemos ver en las palabras del poeta Johann Wolgang von Goethe (1749-1832): Al oír la música de Bach tengo la sensación de que la eterna armonía habla consigo misma. Como parece haber sucedido en el pecho de Dios poco antes de la creación del mundo, del mismo modo se agitaba en mi interior y yo tenía la sensación de no poseer ni necesitar oídos y mucho menos ojos no ningún otro sentido.

Desde principios del siglo XIX la Misa en Si Menor ha sido un tomado como un paradigma del monumento musical. El objetivo del compositor reside en el hecho de reunir en un todo, una relación de sus diferentes incursiones polifónicas precedentes con el fin de crear un nuevo modelo polifónico. Con este proceso de recopilación de otras de otras piezas anteriores Bach abarca más de dos décadas de creación. De este modo la Misa en Si menor se convierte en la obra maestra de J.S.Bach dentro de la polifonía latina.

La Misa en si menor expresa en grado sumo el artificio coral de Bach, tanto en su diversidad tonal, técnica y de estilo como en la calidad de su escritura. Esta monumental obra incluye un espectro compositivo cuya profundidad y amplitud no poseen precedentes.

La obra contiene todas las formas del arte contrapuntístico y canónico bachtiano en su grado de máximo exposición. Así mismo la instrumentación llega a alcanzar las máximas cotas de perfección.

La guerra civil y el período republicano (1644-1660) llevó al pueblo inglés al puritanismo de Cronwell. Consecuencia del mismo fue la prohibición de la música religiosa en general y la clausura de los teatros. Por ello no fue hasta la llegada de Carlos II (1630-1685). Este monarca quiso conocer las corrientes de su tiempo, por ello envió a Humfrey y a Henry Purcell.

PURCELL (Henry), compositor inglés nacido en Londres 1659 fue afinador y restaurador de instrumentos lo que le valió para un perfecto conocimiento de los mismos. A los 18 años era miembro de la Capilla Real y desde 1682 fue organista de Westminster. Escribió numerosas Suites, sonatas y fantasías para instrumentos de cuerda. Como autor dramático trabajó la mascarada (Espectáculo de los siglos XVI y XVII en el que se exponían historias alegóricas o mitológicas basándose en danzas, secciones habladas y gran aprataje escenográfico),a las que adicionó el estilo italiano. En el campo operístico, la temática más predominante era la mitología o bien temas históricos. Las más importantes son Dido y Eneas, El Rey Arturo.

El severo athem (Pieza de carácter no litúrgico que podía cantarse opcionalmente en los oficios religiosos de la Iglesia Anglicana) de la Iglesia Anglicana fue trabajado por Purcell con toda la brillantez y exuberancia barroca, dentro de un estilo afrancesado, alegre y de ritmo simple, siguiendo las directrices del rey Carlos II. Muere en Londres en 1695

Autor de obras dramáticas (Dido y Eneas, 1689; El rey Arturo, 1691; La reina de las hadas, 1692), de sus obras de música vocal religiosa y profana (odas y anthems), de sonatas, de fantasías para violas, de Suites para clave, todas de un lirismo lleno de sensibilidad.

Tras la muerte de Purcell, hay un gran vacío musical hasta la aparición de Händel

Nació en Halle en 1685 y posteriormente nacionalizado inglés, representa junto a J.S.BACH la culminación del Barroco musical. Händel viajó mucho durante su época de estudiante de abogado frustrado. En Italia establece contacto con los hermanos Corelli. Viajó con mucha frecuencia a Inglaterra y cuando el elector de la corte de Hannover se proclamó rey de Inglaterra con el nombre de Jorge I, se estableció definitivamente en Londres.

Händel no tiene una tendencia muy clara. Como genio que era, podía adoptar con facilidad cualquier clase de estilo. Su primera época es la de un Händel cortesano, aristocrático y frívolo, en la que nacieron sus óperas Alcina y Julio César, de fastuosa representación y de clara influencia napolitana.

El desengaño de una vida vacía llevó a Händel a un reencuentro consigo mismo y le acercó a una sociedad burguesa más real y comprometida con los problemas religiosos. Surgen así sus oratorios donde conjugó los grandes coros con una orquesta de efectos impresionantes. Es una música más íntima, más directa al alma que hizo Bach para esta forma vocal. Durante esta época también compone Israel en Egipto,Salomón,Jefté y sobre todo su obra maestra EL MESÍAS.

La obra instrumental de Händel es amplia y diversa. Compuso multitud de concertos grossos conciertos para instrumentos solistas y música de estilo casi figurativo, programático, como las Suites Música Acuática, Música para los Reales Fuegos Artificiales.

Además de sonatas, conciertos (Conciertos para Órgano; Concertos Grossos, Concierto para Órgano y orquesta: el Cuco y el Ruiseñor) y Suites (Música Acuática, Música para los Reales Fuegos Artificiales), compuso óperas (Rinaldo) y sobre todo oratorios (Israel en Egipto, Judas Macabeo, El Mesías), en los que predominan los coros. Su lenguaje, compuesto de grandiosidad y lirismo, ofrece una síntesis magistral de los estilos italiano, francés, germánico e inglés.

Es el oratorio, sin duda de los más conocidos en la actualidad, pero es el oratorio que Händel compuso más que con la cabeza, con el alma y el corazón.

Aunque Händel pasó muchos años en Inglaterra, fue en Roma donde conoció a los hermanos Corelli y Scarlatti y donde alcanzó sus primeros éxitos musicales. Allí dio sus primeros pasos en los oratorios, destaca La Resurrección (1708)

Händel compuso muchos oratorios, pero el que más fama le dio fue EL MESÍAS, compuesto en Irlanda en tan sólo 3 semanas. Estrenado en Dublín en 1742, siendo dirigido por él mismo al clavicordio.

Un año después, en Londres el rey Jorge II y todo el público se pusieron de pie para oír los compases del ALELUYA de ahí la tradición de mantenerse en pie mientras canta el coro este pasaje.

Nación en Venecia en 1678 y heredó de su padre la destreza del violín. Fue ordenado sacerdote, pero por falta de salud (problemas asmáticos) no pudo ejercer su ministerio y fue nombrado profesor de violín del conservatorio del hospital de la Piedad de Venecia. Escribió sus obras para los huérfanos acogidos en dicha institución. Su vida quedó absorbida por sus actividades como profesor de violín y, compositor, maestro de capilla y empresario de la ópera (aunque ésta junto con el juego y la juerga hicieron que el gran Vivaldi se sumiera en la miseria).

Vivaldi practicó el concierto tanto el concerto grosso como el solista. Imprimió al concierto una gran expresividad, generalizando el esquema "rápido-lento-rápido" y aplicó a la música instrumental todos los recursos estilísticos de la música vocal. Es un precursor del poema sinfónico.

Dada su vastísima producción hay que destacar L'estreto armonico, La stravaganza y Il cimento dell'armonia e dell'invenziones, obra que contiene las 4 estaciones.

Vivaldi compuso más de 450 concerti grossi así como para distintos instrumentos, 60 obras de música camerístrica, 23 sinfonías, 30 óperas, música religiosa son las más destacadas.

Narran 4 historias del paso del tiempo sobre la Tierra y entre los hombres. Están escritos para un violín principal, cuerdas y órgano. Vivaldi deja al solista que evoque los detalles más pintorescos, al igual que los instrumentos de arco tiene la misión de crear la escena.

Vivaldi confía a la orquesta detalles bastante interesantes:

• Las violas evocan el ladrido de los perros
• Los violines, imitan a las moscas
• Los violonchelos el hipo de los borrachos, etc.

Esta obra inspiró a Beethoven para la creación de múltiples obras, de entre ellas la Sinfonía Pastoral.

Los inicios del Barroco español coinciden con la muerte de Felipe II (1598), fecha que coincide con la decadencia política y al mismo tiempo como el inicio de época más prolífica para la literatura y el arte española.

1. La zarzuela: El origen parece provenir del Palacio de la Zarzuela, actual residencia de Su Majestad el Rey, donde se reunían los músicos y artistas para entretener a los reyes con obras que tenían texto y música. En el año 1648 se estrenó El jardín de Falerina con texto de Calderón de la Barca y música de un autor anónimo. En esta obra se alternan escenas habladas con otras cantadas, que constituye la estructura actual de la zarzuela tal cual la conocemos. Los iniciadores son: Nebra,Literes,Durón,Hidalgo y De la Rosa
2. La tonadilla: Es un intermedio satírico que generalmente concluye con una danza española , su nombre proviene de la acción de dar el tono para inciar el canto. Los compositores célebres de este estilo fueron: Esteve, Misón y Laserna
3. La ópera: No hizo mucha mella en España. De hecho se estrenaron sin éxito La selva sin amor, con texto de Lope de Vega, Celos que del aire matan con texto de Calderón de la Barca y Juan Hidalgo, cuya partitura se conserva. Hubo autores que practicaron la ópera italiana, como Tarradellas que estreno óperas por todo Europa, Pérez, operística en Nápoles. En el siglo XVIII la ópera italiana se puso de moda en la corte borbónica, con la presencia de Farinelli (Carlo Broschi, 1705-1782)

Destacan Mateo Romero, Domingo Fernández, Patiño, Pujol o Comes. Todos siguieron las formas renacentistas logrando obras monumentales. Francisco Valls escribió Misa Aretiana llena de innovaciones armónicas. No obstante el Padre Fejioo habla de "una música artificiosa, ligera, superficial, y con abuso de las florituras". Además en la música instrumental destacó el Padre Antonio Soler, discípulo de Domenico Scarlatti. También el organista Cabanilles (Algemesí) autor de múltiples batallas, Correa de Arauxo, continuador de la escuela de Cabezón y Torres que escribió un tratado de órgano.