DE ANDREW A ANDY
INFANCIA Y ADOLESCENCIA
El 6 de agosto de 1928, en el 73 de Orr Stret, Pittsburg (Pennsylvania), nació Andrew Warhola. Andrew era el menor de los tres hijos que tenían Andrej Varchola y Ulja Justina Zavacka, eslovacos ortodoxos afincados en Estados Unidos desde 1913. Andrej era montador y minero y Ulja realizaba labores de limpieza que compaginaba con la creación y venta de flores artificiales en el mercado.
Durante su infancia, Andrew padeció de escarlatina y del baile de San Vito, lo que le llevó a pasar largas temporadas postrado en la cama.La animadversión hacia los hospitales y los médicos se forjó durante ésta etapa de su vida, así como encontramos los cimientos de su hipocondría. Los periodos de enfermedad, alejado de sus compañeros de clase, fortalecieron los lazos meternos entre Ulja y su hijo menor. Fue en estos momentos, postrado en la cama, cuando Andrew comenzó a pintar. Era uno de sus hobbies junto con escuchar la radio y coleccionar fotografías de actores y actrices famosos.
A los ocho años le regalaron un proyector de cine con el que trasmitía caricaturas en las paredes de su casa. A los nueve años empezó a interesarse por la pintura y comenzó a asistir todos los sábados a clases gratuitas de arte en el Carnegie Institute of Technology de Pittsburg, hasta los 11 años. Sus estudios primarios los realizó en el Holmes Elementary y, posteriormente, en el Schendey High School. Andrew se licenció sin haber cursado el tercer año de preparatoria. En 1942, cuando Andrew sólo contaba con 14 años, falleció su padre. Tres años más tarde fue admitido en el Carnegie Institute of Technology de Pittsburg donde se licenció en Bellas Artes y Diseño Pictórico (fue el único miembro de su familia que cursó estudios universitarios). Sus primeros contactos con el mundo de la publicidad se producen entonces, durante el verano Andrew y sus hermanos trabajaban como mozos de almacén.
ESPÍRITU DE TRIUNFO (50-60)
En 1949 decide trasladarse a Nueva York con su madre, que viviría con él hasta 1971, un año antes de su muerte en Pittsburg. En la “gran manzana” pronto encontró trabajo en agencias de publicidad y como ilustrador y dibujante en revistas como Glamour, Vogue, Harper’s Bazar, Tiffany & Co., Columbia Records, Bonwit Teller… A mediados de los años cincuenta su obra tiene cada vez más presencia en revistas norteamericanas como Esquire. Warhola recibe del American Institute of Graphic Arts y de The Art Directos Club, numerosos premios, convirtiéndose en uno de los ilustradores con más renombre de la época.Así fue como empezó a amasar una pequeña fortuna que le permitió dedicarse más en serio a la pintura (sin abandonar, hasta los 60 sus trabajos de dibujante y diseñador).
“Fifteen Drawings Based on the Writings of Truman Capote” (Hugo Gallery) en junio de 1952 fue su primera exposición en Nueva York. A partir de aquí y durante toda la década de los 50, Andrew Warhola va a sufrir las transformaciones necesarias hasta convertirse, en los 60, en Andy Warhol. El cambio en el nombre y la imagen son sólo dos indicios de este proceso.
En 1956 gana un premio por logros destacados de parte del MoMa (Museo de Arte contemporáneo de Nueva York).
ARTISTA INDEPENDIENTE…
Warhol decide en 1960 dedicarse de forma plena a la pintura (dejando definitivamente la creación publicitaria) y volcando todo su enfoque comercial hacia las Bellas Artes: dota al arte de la filosofía comercial, la filosofía de la producción en serie gracias a la serigrafía (planteando cuestiones como la autenticidad y la relación entre artista-creador-ejecutor). Así Warhol se involucra de lleno en el POP art, vertiente que nunca abandonaría.
50$ dieron la clave a Andy Warhol para triunfar. Fue su amiga Muriel Faltow la que le ofreció un consejo a cambio de cincuenta dólares. Andy pagó el precio y ella le hizo una pregunta: ¿Qué es lo que te gusta más que nada en la vida? Andy sólo pronunció un lacónico “no lo sé”, pero Faltow cumplió su parte del trato: “dinero”, esa era la respuesta correcta.Warhol comienza su ascenso.
A partir de 1962 empezó a pintar sus famosas series dedicadas a productos cotidianos estadounidenses como las Sopas Campbell, que lo convirtiéndose en toda una celebridad. Durante este periodo también pinto los retratos de personajes famosos como Elvis y Marilyn y su serie Desastres, inspirada en la prensa sensacionalista de la que recogía imágenes de sucesos violentos.
...Y TRIUNFADOR
1963 fue el
año de creación de The Factory (231 EAST 47th Street). Su
“fábrica” pronto se convirtió en uno de los lugares de moda de Nueva
York. Un año después de su establecimiento allí, Warhol expuso por
primera vez esculturas: replicas de cajas de productos como
Kellog’s Corn Flakes, Brillo y Heinz Ketchup, entre otros.
Pero Warhol no sólo seguía la tendencia Pop art, sino que ésta intentaba seguirle a él. No se conformaba con el uso de la serigrafía, incorporó la fotoserigrafía como medio de producción. Y, no contento con plasmar su arte sólo en la pintura y la escultura, extendió su talento en otros campos: literatura (publico dos libros), cine (experimental y de vanguardia), televisión, música (The Velvet Undreground)… Así se convirtió en uno de los artistas más polifacéticos de su tiempo. A partir de entonces el éxito le acompaña y, por fin, las puertas de las galerías más prestigiosas de EEUU y Europa se le abren sin recelo.
Todo le iba bien hasta que el 3 de junio de 1968, la actriz Valerie Solanas (aparecía en algunas películas del propio Warhol)disparó a Andy Warhol en su estudio de la 33 Union Square al que se había trasladado ese mismo año. Warhol estuvo hospitalizado durante dos meses hasta que se restableció de las graves heridas. Durante todo este tiempo no se mantuvo inactivo, pintó la serie de retratos Happy Rockefeller.
LOS 70 Y LOS 80: MÁS WARHOL QUE NUNCA
Fue en la décadas de los 70 cuando más explotó Warhol sus series de retratos de gente famosa (Marilyn, Elvis, Grace Kelly...). También empezó a trabajar en su proyecto Time Capsules (Capsulas del tiempo), un reflejo más de su obsesión por el consumo y la acumulación de bienes. Un Andy Warhol cada vez más famoso, asiste a las fiestas de “Studio 54”, realiza anuncios para Sony, TDK… Vende su imagen y la explota hasta límites insospechados.
A mediados de los 80 vuelve a retomar el pincel (temporalmente) después de su abandono voluntario para dedicarse a la serigrafía en 1962 y participa en una exposición junto con Jean-Michel Basquiat y Francesco Clemente. Sigue pintando, haciendo fotografía, grabados, dibujos… Su colección sigue creciendo con series como Mao Skulls, Hammer & Sickler, Guns, Knives, Crosses, Dollar Signs y Camouflage.
En enero de 1987 se presentó en Milán la serie Last Supper, a cuya presentación acudió Warhol. Un mes más tarde, el 22 de febrero de 1987, Warhol murió de un ataque al corazón mientras estaba ingresado en el hospital de Nueva York.
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THE FACTORY
Warhol denominaba a sus estudios “the factory” (la fábrica).
La sede más
importante de The Factory o The Silver Factory fue la 231
EAST 47th Street
(desde 1963), un loft que Warhol mandó forrar con papel de plata. En
ella Warhol reunió
a sus amigos, creo algunas de sus obras más famosas y gano dinero.
The Factory era un espacio interactivo de creación, era
una fábrica
para crear y, además, su vivienda. Las puertas estaban abiertas día y
noche y allí se
congregaban una multitud de personajes dispares: artistas, modelos,
músicos, críticos
de arte, fotógrafos, travestis, gente anónima... La Factory
consiguió
posicionar a Warhol entre los grandes del arte. Su fama creció como
pintor,
dibujante, grafista,
cineasta, fotógrafo, productor musical, empresario y estrella mediática,
a la vez que su nombre se postulaba como abanderado de la vanguardia y
de la corriente de ruptura que era el Pop art.
Para Warhol, la creación de la Factory fue un paso importante y significativo en su concepción de obra artística colectiva, es su idea de arte producido en serie. The Factory es, por tanto un lugar donde trabaja un grupo dispar de artistas cuya obra responde al nombre de Andy Warhol. Sus ‘trabajadores’ asiduos eran Lou Red y Nico (cantantes), Ultra-violet (artista plástica), Malanga (poeta), Mapplethorne (fotógrafo).
En el gran loft se convertía casi sin esfuerzo en una gran galería de
exposición,
sala de proyección, set cinematográfico (se firmaron
alrededor de 500 películas), sala de conciertos (The Velvet
Underground
impulsó su carrera desde allí), discoteca, taller de arte… Pero todo
cambió tras
el intento de asesinato que Warhol sufrió en 1968. The
Factory ya
no volvió a ser el espacio permisivo de creación y diversión de antaño.
En 1973, la Factory se trasladó a barrios más elegantes de Nueva York (Union Square o Broadway) dando un giro radical a su propuesta inicial: “he empezado siendo un artista comercial, quiero terminar siendo un business artist”.
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WARHOL Y EL POP
Warhol se alzó con el título de máximo representante de la
cultura
–llegó a autodenominarse el Papa del pop-y el arte Pop a
pesar de que no fue el primero en llegar.
El arte pop o arte popular (Pop-art) fue un movimiento artístico que surgió a finales de los años 50 en Inglaterra y los EEUU. Su intención era romper con los cánones de los conceptos estéticos y el concepto de arte (cuestionando la producción artística e introduciendo la reproducción en serie) vigentes en el momento.
Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la vida cotidiana y del mundo de la comunicación de masas. Con ello pretende hacer patente el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Por ello el pop intenta plasmar estilos de vida, la moda, el consumismo… Quieren convertir al arte en un producto de consumo, es por ello que la expresividad y el apasionamiento del artista desaparecen de la obra, tanto es así que la firma del autor se presenta como una marca registrada.
El término Pop-art fue utilizado por primera vez por el crítico británico Lawrence Alloway en 1958, pero fue Lewis Genning –crítico también- el que lo aplicó para definir el arte que algunos jóvenes creadores estaban fabricando, nuevas creaciones que seguían una estética Dada (al principio el Pop-art fue denominado Neo-Dada) desligada de la filosofía fundacional de éste movimiento. Del dadaísmo, el Pop-art recoge algunas técnicas como el collage y el fotomontaje.
El Pop-art construye un lenguaje artístico nuevo, cuyas bases
están
ligadas a las de la producción
industrial y eleva esas imágenes a
la categoría de arte. Su temática es básicamente objetual e
icónica (latas
de sopa, coca-colas, tazas, vasos, comics, máquinas…). La utilización
de colores planos e intensos contribuye a simplificar y facilitar
la identificación de
los objetos, así como el estilo claro y preciso del
dibujo, son los rasgos característicos de este movimiento.
Los artistas del pop no dudaron en explotar todos los mecanismos de producción de imágenes que la tecnología les brindaba, desde la fotografía y el cine a los carteles y revistas ilustradas, pasando por el cómic… y su combinación.
Los artistas que dieron el impulso inicial al movimiento fueron: Robert Rauschenberg y Jasper Johns; mientras David Hockney, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg y Andy Warhol continuaron con el movimiento.
En Gran Bretaña destacan: Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton, Peter Blake, David Hockney, Allen Jones y Meter Phillips.
En Estados Unidos destacan: Andy Warhol, Jin Dine, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg y Tom Wesselmann.
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THE VELVET UNDERGROUND
The Velvet Underground, grupo poco valorado en la época, está hoy considerado como uno de los grandes grupos de rock de la historia.
La banda, liderada por Lou Reed
(compositor, guitarrista y cantante)
y John Cale
(bajo, viola y teclados), nació en Nueva York en 1964. A ellos se
unieron Sterling Morrison (guitarrista)
y Mauree “Moe” Tucker (batería). El nombre del grupo surgió de un libro
de sadomasoquismo de Michael Leigh.
La relación del grupo con Andy Warhol comenzó poco después de la formación del grupo. Warhol vio uno de sus conciertos en el Café Bizarre y decidió incorporarlos a su proyecto The Exploding Plastic Inevitable, a la vez que se convirtió en representante y productor del grupo.
Warhol incorporó al grupo a la actriz y cantante alemana Nico (Christa Paffgen). Poco después salió a la venta el primer Lp del grupo: “The Velvet Underground & Nico” (Verve Records- 1966) en cuya portada aparecía una banana dibujada por Warhol. Sin embargo, el disco pasó desapercibido para la gran mayoría de la gente. Letras de sus composiciones hablaban de temas inusuales en la música de la época como el sadomasoquismo, el travestimo, las drogas, la prostitución, el sexo…, unidas a la música llena de distorsiones y ruidos provocaron que los críticos no se fijasen demasiado en el grupo, pero por ello pasó a convertirse en un trabajo de culto entre los seguidores de David Bowie o Brian Eno.
Durante los ensayos y la grabación del Lp, Warhol filmó a la banda
(rebautizada como The Velvet Underground & Nico) y el resultado
fue la película The Velvet Underground & Nico:
A Simphony of Sound. Película que acabó proyectándose en los
conciertos de la banda sumándose al espectáculo con
luces sicodélicas y bailarinas que Paul Morrisey ideó para la banda:
The Exploding Plastic Inevitable.
Debido al escaso éxito del Lp, Nico abandonó la Velvet y Warhol comenzó a perder el interés por el grupo. Años más tarde, John Cale y Lou Reed se separaban debido a las constantes disputas entre ambos, aunque prosiguieron su carrera en solitario e, incluso, se unieron tras la muerte de Warhol para grabar el disco "Songs for Drella". Los críticos revalorizaron el trabajo del grupo a mediados de los 90, así The Velvet Underground ingresó en el Rock and Roll Hall of Fame en 1996.
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CITAS
Comprar es mucho más americano que pensar. Y yo soy el colmo de lo
americano. En Europa a la gente le gusta comerciar (comprar y vender,
vender y comprar). Los americanos no tienen tanto interés en vender (de
hecho, prefieren tirar antes que vender). Lo que realmente les gusta es
comprar (gente, dinero, países).*
El país te da todo lo que necesitas, hasta que necesites más.*
Soy una persona especialmente pasiva. Acepto las cosas tal como son.
Tan solo miro, observo el mundo.*
Se dice que el tiempo cambia las cosas, pero en realidad es uno el que tiene que cambiarlas.*
Debería haber un curso en la escuela elemental sobre el amor.
Debería haber cursos de belleza, amor y sexo.
El más importante el del amor.*
Los labios de Marilyn no eran besables, pero sí muy fotogénicos.*
No puedo comprender por qué jamas he sido un expresionista abstracto, porque con mi mano temblorosa me habría convertido en un artista natural.*
Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita,
pero que a él,
por alguna razón, le parece buena idea dársela.*
*
Todo el significado de mi obra está en la
superficie, detrás no hay nada.
El arte comercial es mucho mejor que el arte por el arte. *
A todo el mundo le debería tocar quince
minutos de fama en la vida.*
Hoy en día, si eres un truhán, aún puedes
estar bien considerado en las alturas. Puedes escribir libros, salir en
la tele,
conceder entrevistas: eres una gran celebridad y nadie te desprecia por
ser un ladrón.
Aún estás en las alturas. Esto se debe a que lo que más quiere la gente
son estrellas.*
Comunicar es un arte bastante simple. Lo que puede ser endiabladamente difícil es hacer que la gente te escuche.*
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